UNA ACTIVISTA QUE UN DIA FUE ACTRIZ

Audrey Hepburn (Ixelles, Bélgica, 4 de mayo de 1929-Tolochenaz, Suiza, 20 de enero de 1993) fue el nombre artístico de Audrey Kathleen Ruston, actriz británica de la época dorada de Hollywood, considerada por el American Film Institute como la tercera mayor leyenda femenina del cine estadounidense.

Nacida en Ixelles, un distrito de Bruselas, Hepburn pasó su infancia entre Bélgica, Inglaterra y los Países Bajos, incluyendo a Arnhem que estuvo ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. En Ámsterdam, estudió ballet con Sonia Gaskell antes de trasladarse a Londres en 1948 para seguir sus estudios de ballet con Marie Rambert y trabajar como corista en las producciones musicales de West End.

Después de aparecer en varias películas británicas y protagonizar la obra de Broadway de 1951 Gigi, Hepburn interpretó el papel principal de Roman Holiday (1953), el cual le valió un Óscar a la mejor actriz. Más tarde actuando en películas de éxito como Sabrina (1954), The Nun's Story (1959), Breakfast at Tiffany's (1961), Charade (1963), My Fair Lady (1964) y Wait Until Dark (1967), Hepburn recibió nominaciones a los premios Óscar, Globo de Oro y BAFTA y devengó un premio Tony por su actuación teatral la obra de Broadway de 1954 Ondina. Hepburn sigue siendo una de las pocas personas que han ganado un Óscar, un Emmy, un Grammy y un Tony. Hepburn fue la primera actriz en ganar un Oscar, un Globo de Oro y un premio BAFTA por una sola actuación:Roman Holiday en 1954.

Apareció en menos películas a medida que su vida siguió, dedicando gran parte de su vida posterior a Unicef. A pesar de haber contribuido con la organización desde 1954, trabajó en algunas de las comunidades más profundamente desfavorecidas de África, América del Sur y Asia entre 1988 y 1992. Fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad en reconocimiento a su labor como embajadora de buena voluntad de Unicef a finales de 1992. Un mes más tarde murió de cáncer apendicular en su casa en Suiza a principios de 1993 a la edad de 63 años.

Biografía

Infancia y juventud

Nacida como Audrey Kathleen Ruston en Ixelles/Elsene, un municipio de Bruselas (Bélgica). Era la única hija del inglés Joseph Victor Anthony Ruston y de su segunda esposa, la baronesa Ella Van Heemstra, una aristócrata holandesa que era hija del ex gobernador de la Guayana Holandesa (Surinam), el barón Aarnoud van Heemstra. El padre de la futura actriz añadió más adelante el apellido de su abuela materna, Catherina, a la familia; y su apellido se convirtió en Hepburn-Ruston. Tenía dos hermanos de madre, fruto de un primer matrimonio de su madre con el jonkheer Hendrik Gustaaf Adolf Quarles van Ufford: jonkheer Arnoud Roberto Alexander “Alex” Quarles van Ufford y jonkheer Ian Edgar Bruce Quarles van Ufford. Ella van Hemstra era descendiente del rey Eduardo III de Inglaterra y del consorte escocés James Hepburn, cuarto Conde de Bothwell, de quien Katharine Hepburn también se considera descendiente.

El padre de Hepburn trabajó con una compañía de seguros en Gran Bretaña, lo cual significó que la familia tuvo la oportunidad de viajar a menudo entre Bruselas, Inglaterra y los Países Bajos. Entre 1935 y 1938 Hepburn estudió en una academia privada y femenina en Kent, Inglaterra.

En 1935 sus padres se divorciaron, y su padre, simpatizante nazi, abandonó a la familia. Ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta, según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler. Audrey llamó más adelante a este hecho «el momento más traumático de su vida». No sería hasta mucho más adelante cuando consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.

En 1939 se trasladó con su madre y sus dos hermanos de madre a la casa de su abuelo en Arnhem, Países Bajos. Pensaban que Holanda era un lugar seguro para evitar al ejército nazi. Hepburn acudió al conservatorio de Arnhem entre 1939 y 1945, donde estudió piano y ballet clásico, los cuales compaginaba con sus estudios escolares.

Vida durante la Segunda Guerra Mundial

Durante su juventud Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial, primero en Bélgica y luego en los Países Bajos, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandés. Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, hablaba un poco de alemán y también de español. Estudió para ser bailarina, pero la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, Audrey se vio en la disyuntiva de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz.

En 1944 Hepburn ya era una buena bailarina y, durante esta época, bailaba secretamente. El dinero que recaudaba lo donaba a la resistencia holandesa. Sobre esta época dijo más adelante: «El mejor público que he tenido; no hacía ni un solo sonido al terminar mi actuación».

Con el desembarco de las tropas aliadas en Normandía el día D, las cosas en Holanda empeoraron drásticamente. Durante el invierno de 1944 los alemanes confiscaron los alimentos y combustibles de la población holandesa. Sin comida ni calor en los hogares, la gente moría de hambre y frío en las calles. Hepburn y muchos otros hacían harina a partir de tulipanes con los que podían cocinar galletas y tartas. La ciudad holandesa de Arnhem fue devastada durante el bombardeo aliado, como parte de la fallida operación Market Garden. Su tío y un primo de su madre fueron fusilados como miembros de la resistencia, su hermano Ian fue capturado y estuvo en un campo de trabajo. Las carencias alimenticias se hicieron patentes y Audrey sufrió anemia y problemas respiratorios. En 1991 Audrey dijo: «Tengo recuerdos. Recuerdo estar en la estación de tren viendo como se llevaban a los judíos, y recuerdo en particular a un niño con sus padres, muy pálido, muy rubio, usando un abrigo que le quedaba muy grande, entrando en el tren. Yo era una niña observando a un niño».

Audrey también notó las semejanzas entre ella y Ana Frank. «Tenía exactamente la misma edad que Ana Frank. Ambas teníamos diez años cuando empezó la guerra y quince cuando acabó. Un amigo me dio el libro de Ana en holandés en 1947. Lo leí y me destruyó. El libro tiene ese efecto sobre muchos lectores, pero yo no lo veía así, no solo como páginas impresas; era mi vida. No sabía lo que iba a leer. No he vuelto a ser la misma, me afectó profundamente».

«Vimos fusilamientos. Vimos a hombres jóvenes ponerse contra la pared y ser tiroteados. Cerraban la calle y después la volvían a abrir y podías pasar por ese mismo lugar. Tengo marcado un lugar en el diario, en el cual Ana (Frank) dice que han fusilado a cinco rehenes. Ése fue el día en que fusilaron a mi tío. En las palabras de esa niña yo leía lo que aún sentía en mi interior. Esa niña que había vivido entre cuatro paredes había hecho un reportaje completo de todo lo que había vivido y sentido».

Pero esos terribles años no eran del todo malos, y Audrey podía vivir algo su niñez. Siguiendo con los paralelismos con la vida de Anne Frank, dice: «El espíritu de supervivencia es muy fuerte en las palabras de Ana Frank. En un momento dice “estoy deprimida” y al siguiente te habla de que quiere montar en bici. Ella es la muestra de una infancia en terribles circunstancias».

Una manera con la cual Audrey Hepburn pasaba el tiempo era dibujando. Algunos de sus dibujos pueden verse hoy día.

El país fue liberado por las fuerzas aliadas y la Administración de las Naciones Unidas para el Auxilio y la Rehabilitación intervino en el mismo. Hepburn dijo en una entrevista que se comió un paquete entero de leche condensada y que se puso enferma por el exceso de azúcar. Estas experiencias contribuyeron a que Audrey estuviera siempre al lado de UNICEF durante el resto de su vida.

Formación como bailarina

En 1945, al finalizar la guerra, Audrey abandonó el conservatorio de Arnhem y se mudó a Ámsterdam donde tomó clases de ballet con Sonia Gaskell. En 1948 se fue a Londres y siguió estudiando ballet, esta vez de mano de la reconocida Marie Rambert, profesora de Vaslav Nijinsky, uno de los mayores bailarines de la historia de la danza. De vez en cuando Hepburn le preguntaba a Rambert sobre su futuro, a lo que ella le respondía que podría seguir allí y tener una gran carrera, pero el hecho de que fuera relativamente alta (1,67 m), sumado a su delgadez a causa de la malnutrición durante la ocupación alemana no le permitiría tener un buen futuro como primera bailarina. Pero Audrey quería sobresalir, así que confió en su mentora e intentó la actuación. Además, la situación económica de la familia Hepburn no le permitiría continuar con sus estudios, y Audrey, necesitada de dinero, se replanteó el empezar a actuar, ya que esta profesión estaba mejor pagada que la de bailarina. Rambert dijo después sobre Audrey: «Era una estudiante maravillosa; si hubiera seguido, podría haberse convertido en una bailarina excepcional». Al hambre de la guerra se sumó la disciplina de la danza, que la volvió casi anoréxica: en sus Memorias José Luis Vilallonga afirma que sus almuerzos no pasaban de un ala de pollo y una hoja de lechuga.

Primeros años de actriz

Su carrera como actriz comenzaría con el film educativo Holandés en siete lecciones. Después actuó en producciones musicales como High Button Shoes y Sauce Piquante. Su primer papel en una película fue en el film inglés One Wild Oat en el cual actuaba como recepcionista de un hotel. También actuó en papeles más pequeños como Young Wives' Tale, Laughter in Paradise, The Lavender Hill Mob, y Monte Carlo Baby. Durante el rodaje de Monte Carlo Baby fue elegida para protagonizar el musical de Broadway Gigi, estrenado el 24 de noviembre de 1951. La reportera Sidonie-Gabrielle Colette dijo sobre Audrey: «¡Voilà!, ¡ésta es nuestra Gigi!». Audrey ganó el Theatre World Award por su debut. Siguió actuando en este musical durante los seis exitosos meses siguientes.

Su primer papel de importancia fue en el film Secret People, en el cual realizaba el papel de una bailarina prodigio. Naturalmente, Audrey hizo todas las escenas de baile. Pero el papel que la catapultó a la fama, además de ser su primer papel en Hollywood, fue, junto a Gregory Peck, en Vacaciones en Roma, de William Wyler.

Después de Vacaciones en Roma, trabajó con Humphrey Bogart y William Holden en la comedia romántica de Billy Wilder, Sabrina. Audrey fue enviada al diseñador Hubert de Givenchy para que decidiera su vestuario en la película. Cuando le dijeron a Givenchy que «Miss Hepburn» venía a verlo, pensó en Katharine Hepburn, no en Audrey. En un primer momento, rechazó vestirla, pero al final rectificó. Audrey y Givenchy mantuvieron una fuerte amistad durante el resto de sus vidas. Durante la filmación de Sabrina, Audrey y William Holden mantuvieron una relación amorosa. Su papel de Sabrina le valió una nominación al Óscar, premio que finalmente fue a parar a manos de Grace Kelly.

En 1954, Audrey volvió a los escenarios para protagonizar Ondine, de Jean Giraudoux, junto al que más tarde sería su marido, Mel Ferrer. Siguió protagonizando la obra durante el resto del año. Ese mismo año recibiría el Globo de Oro a la mejor actriz y el Óscar por su papel en Vacaciones en Roma. Seis semanas después de recibir el Óscar, Audrey recibió el premio Tony por su obra Ondine, convirtiéndose así en una de las tres únicas actrices en ganar el Óscar y el Tony el mismo año —las otras dos son Shirley Booth y Ellen Burstyn—.

A mediados de los 50, Audrey no solo era una de las mayores estrellas de Hollywood, sino un icono de la moda. Su estilo, tan personal y elegante, era admirado e imitado. Además, era muy admirada por el público, como lo demuestra su Globo de Oro a la actriz más querida en todo el mundo en 1955.

Siendo ya una de las actrices más taquilleras de Hollywood, Audrey contaba con compañeros de reparto de la talla de Humphrey Bogart (Sabrina), Fred Astaire (Una cara con ángel), Maurice Chevalier y Gary Cooper (Love in the Afternoon), William Holden (Encuentro en París), George Peppard (Breakfast at Tiffany's), Cary Grant (Charada), Rex Harrison (My Fair Lady), Peter O'Toole (Como robar un millón y...) y Sean Connery (Robin y Marian). Muchos de estos actores se convirtieron en personas muy cercanas a la actriz. Rex Harrison la llamó su «principal dama» —Audrey se hizo muy amiga de la bailarina británica Kay Kendall, que era la mujer de Rex—; Cary Grant amaba el sentido del humor de Audrey. «Todo lo que pido por Navidad es otra película junto a Audrey Hepburn» dijo una vez; y Gregory Peck se convirtió en uno de sus amigos más íntimos. Después de la muerte de la actriz, Peck fue a la cámara y recitó su poema favorito, Unending Love de Rabindranath Tagore. Algunos creen que Audrey y Humphrey no mantuvieron su amistad, pero eso es falso. Bogart lo hizo mejor con Audrey de lo que lo haría cualquiera. Como ella después diría: «A veces los tipos más duros resultan ser los más sensibles, como Bogey lo es conmigo».

En 1957 actuó en Una cara con ángel, una de sus películas favoritas debido a que conseguía bailar con Fred Astaire. A esta la siguió Historia de una monja, uno de sus papeles más dramáticos y atrevidos. Sobre este papel Films in Review dijo: «Su papel callará a todos los que dijeron que es solo un símbolo de mujer sofisticada. Su interpretación de la hermana Luke es una de las mejores actuaciones del cine». Audrey recibió una nominación a los Óscar por este papel. Simone Signoret fue la agraciada con el galardón en este ocasión.

Matrimonios, familia y últimos papeles

A partir de 1967, después de quince años de éxitos sobresalientes en el cine, comenzó a participar en películas únicamente de forma ocasional. Hay que destacar el thriller Sola en la oscuridad (1967), donde encarnaba a una mujer ciega acosada por criminales, y Robin y Marian (1976) con Sean Connery. Su último papel lo interpretó en 1988, en la película Always, de Steven Spielberg, donde daba vida a un ángel, poco antes de ser nombrada embajadora especial de UNICEF. Todos han querido ver en ese papel la evocación que se tenía de ella en muchos ambientes.Hepburn estuvo casada en dos ocasiones, la primera con el actor Mel Ferrer, con el que tuvo un hijo, Sean, que actualmente gestiona la fundación Audrey Hepburn Childhood, y la segunda con Andrea Dotti, un médico italiano con quien tuvo su segundo hijo, Luca. El padrino de Sean es el autor escocés, A. J. Cronin. Audrey confesó que el fracaso de estos dos matrimonios le hizo sufrir mucho. En los últimos años estuvo unida a Robert Wolders, un holandés con el que compartían labores humanitarias y su gusto por cosas sencillas.

Su última aparición en el cine se produjo en 1989, desde entonces y hasta su muerte en 1993, Audrey colaboró activamente con UNICEF, convirtiéndose en embajadora de buena voluntad. Audrey entró en la historia como una de las mayores estrellas de Hollywood.

Trabajo para UNICEF

Una de las cosas que más destacaron en sus últimos años fue la dedicación, por encima de su salud, a las causas del sida o la malnutrición de los niños en todo el mundo. En 1992, tres meses antes de su muerte y ya desahuciada, Audrey hizo su último viaje a Somalia, un acto que siempre fue muy agradecido por UNICEF y que engrandecía aún más su ya sencilla y humana forma de entender la vida. A través de esta organización, Hepburn dedicó el resto de su vida a ayudar a los niños necesitados en los países más pobres. En UNICEF todavía recuerdan su dedicación y entrega a la causa, que databa desde el año 1955 y que, poco a poco, fue ganando peso en su vida. Cabe destacar su estatua en la sede UNICEF de Nueva York, inaugurada en el año 2000.

Defunción

A pesar de que nunca hizo ostentación de joyas y rechazó ser imagen de la marca, la famosa joyería Tiffany, la que había popularizado en Desayuno con diamantes, le dedicó un escaparate con la frase «My Huckleberry friend», de la canción “Moon River”.Falleció de cáncer de colon en su casa de Tolochenaz, en Suiza, el 20 de enero de 1993 a los 63 años de edad. Ese mismo día, Elizabeth Taylor dijo que «Dios estaría contento de tener un ángel como Audrey con Él».

Legado

El American Film Institute nombró a Hepburn en el tercer lugar entre las más grandes estrellas femeninas de todos los tiempos. Incluso en sus últimos años, se mantuvo una presencia visible en el mundo del cine. Recibió un homenaje de laSociedad Cinematográfica del Lincoln Center en 1991 y fue una presentadora frecuente en los Premios de la Academia. Ella era el recipiente de cuatro premios póstumos incluyendo el Premio Humanitario Jean Hersholt 1993 y competitivos premios Grammy y Emmy. Ha sido objeto de muchas biografías desde su muerte y la dramatización de 2000 su vida titulado La vida de Audrey Hepburn, protagonizada por Jennifer LoveHewitt y EmmyRossum como la Hepburn mayores y menores, respectivamente. La película concluye con imágenes reales de Audrey Hepburn, un disparo durante una de sus misiones finales para el UNICEF. La imagen de Hepburn es ampliamente utilizada en las campañas de publicidad en todo el mundo. En Japón, una serie de anuncios utilizado colourised y clips digitalmente mejoradas de Hepburn en Vacaciones en Roma para anunciar Kirin té negro. En los Estados Unidos, Hepburn apareció en un comercial de Gap que se desarrolló a partir del 7 de septiembre de 2006 al 5 de octubre de 2006. Se utilizan clips de ella bailando de FunnyFace, ajustado a AC / DC 's "Back in Black", con el lema "Es hora de regresar - El pantalón negro flaco". Para celebrar su"Keepit Simple" campaña, Gap hizo una importante donación al Fondo para la Infancia Audrey Hepburn. Hepburn ha sido considerada por algunos como un icono gay

Filmografía

• Always (Para siempre) (Always — 1989)
• They All Laughed (1981)
• Lazos de sangre (1979)
• Robin y Marian (1976)
• Sola en la oscuridad (Wait Until Dark — 1967)
• Dos en la carretera (1967)
• Cómo robar un millón y... (1966)
• My Fair Lady (1964) - Eliza Doolittle
• Encuentro en París (1964)
• Charada (Charade — 1963)
• La calumnia (1961)
• Breakfast at Tiffany's (Desayuno con diamantes - 1961) - Holly Golightly
• Los que no perdonan (The Unforgiven - 1960)
• Historia de una monja (The Nun's Story — 1959)
• Mansiones verdes (1959)
• Love in the Afternoon (1957)
• Funny Face (1957)
• Guerra y paz (War and Peace — 1956)
• Sabrina (1954) - Sabrina
• Vacaciones en Roma (Roman Holiday — 1953) - Princesa
• Americanos en Montecarlo (1952)
• The Secret People (1952)
• Monte Carlo Baby (1951)
• One Wild Oat (1951)
• Young Wives' Tale (1951)
• Risa en el paraíso (1951)
• Oro en barras (1951)
• Dutch in Seven Lessons (1948) (documental)

Premios

Premios Óscar

Año	Película	Categoría	Resultado
1953	Vacaciones en Roma	Mejor actriz	Ganadora
1954	Sabrina	Mejor actriz	Nominada
1959	Historia de una monja	Mejor actriz	Nominada
1961	Breakfast at Tiffany's	Mejor actriz	Nominada
1968	Wait Until Dark	Mejor actriz	Nominada
1992	Premio Humanitario Jean Hersholt		Ganadora

Premios Globos de Oro

Película	Categoría	Resultado
Vacaciones en Roma	Mejor actriz - Drama	Ganadora
Henrietta Award	Actriz favorita del mundo	Ganadora
Guerra y paz	Mejor actriz - Drama	Nominada
Love in the Afternoon	Mejor actriz - Comedia	Nominada
Historia de una monja	Mejor actriz - Drama	Nominada
Breakfast at Tiffany's	Mejor actriz - Comedia	Nominada
Charada	Mejor actriz - Comedia	Nominada
My Fair Lady	Mejor actriz - Comedia	Nominada
Dos en la carretera	Mejor actriz - Comedia	Nominada
Sola en la oscuridad	Mejor actriz - Drama	Nominada
Cecil B. DeMille Award		Ganadora

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Película	Categoría	Resultado
Historia de una monja	Mejor actriz	Ganadora

Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood

• Estrella en el paseo de la fama en el 1650 de Vine Street.

Premios BAFTA

Película	Categoría	Resultado
Vacaciones en Roma	Mejor actriz	Ganadora
Sabrina	Mejor actriz	Nominada
Guerra y paz	Mejor actriz	Nominada
Historia de una monja	Mejor actriz	Ganadora
Charada	Mejor actriz	Ganadora

Premios Premio Golden Laurel

Año	Película	Categoría	Resultado
1958	Love in the Afternoon	Mejor Interpretación Femenina en Comedia	Primer Puesto
1958		Mejor Estrella Femenina
1960	Historia de una monja	Mejor Interpretación Dramática Femenina	Segundo Puesto
1960		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1961		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1962	Desayuno con diamantes	Mejor Interpretación Femenina en Comedia	Tercer Puesto
1962		Mejor Estrella Femenina	Tercer Puesto
1962	"La calumnia"	Mejor Interpretación Dramática Femenina	Nominada
1963		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1964	"Charada"	Mejor Interpretación Femenina en Comedia	Tercer Puesto
1964		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1965		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1965	"My fair lady"	Mejor Interpretación Femenina en Comedia	Tercer Puesto
1966		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1968		Mejor Estrella Femenina	Nominada
1968		Principal Estrella Femenina	Segundo Puesto
1968	"Sola en la oscuridad	Interpretación Dramática Femenina	Tercer Puesto

Premios David di Donatello

Año	Película	Categoría	Resultado
1960	Historia de una monja	Mejor Actriz Extranjera	Ganadora
1962	"Desayuno con diamantes"	Mejor Actriz Extranjera	Ganadora
1965	My fair lady	Mejor Actriz Extranjera	Ganadora

Reconocimientos

Reconocimiento	Año
Dedicatoria de una calle: <<Audrey Hepburn Laan>> en Doorn, Países Bajos	1959
Variety Club of New York: Premio Humanitario	1976
Comandeur de l´Ordre des Arts et des Lettres	1987
The International Danny Kaye Award for Children	1988
Premio Humanitario Internacional	1989
Premio Prix d´Humanité	1989
Llave de la ciudad de Chicago	1990
Premio Children´S Champion, UNICEF	1990
Proclamación del <<Día de Audrey Hepburn>>(28 de febrero) por parde del alcalde de Forth Worth, Texas	1991
Llaves de la ciudad de Forth Worth	1991
Certificado al Mérito por la Tarea de Embajadora de UNICEF	1991
Premio a Toda una Distinguida Vida Internacional: Premio Internacional Audrey Hepburn Sigma Theta Tau	1991
Premio <<Sindaci per L´infanzia>>, UNICEF	1991
Oremio Champion of Children (Children´s Institute International)	1991
Llave de la ciudad de San Francisco	1992
Premio Humanitario Jean Hersholt	1992
Premio Internacional Humanitario <<Una mujer especial>>	1998

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UN SIR ENSEÑANDO FONÉTICA A UNA LADY

Sir Reginald Carey Harrison, (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine británico.

Biografía

Nació en Huyton (Knowsley), paraje que entonces formaba parte de Lancashire, cerca de Liverpool. Se educó en el Liverpool College. Su primera aparición en un escenario se produjo en 1924, con 16 años de edad, en Liverpool. Su carrera se vio interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, durante la cual sirvió en la Royal Air Force con el grado de teniente primero.

Apareció en diversos escenarios de Inglaterra, y en Broadway.

Su mayor éxito interpretativo en el cine fue como el profesor Henry Higgins en la película My Fair Lady, adaptación del musical basado en la obra de Bernard Shaw, Pygmalion, donde compartía pantalla junto a Audrey Hepburn. Ambos lograron personajes cargados de fuerza y expresividad, y la labor de Rex Harrison se vio premiada con un Óscar de la Academia. Ya había ganado dos Premios Tony de teatro: el primero en 1949 por Ana de los mil días donde interpretaba al rey Enrique VIII y el segundo en 1957 por la versión teatral de My Fair Lady, cuyo éxito propició la versión en cine.

Otras de sus interpretaciones memorables para la gran pantalla fueron en El fantasma y la Sra. Muir, Doctor Dolittle, The Agony and the Ecstasy (donde encarnaba al papa Julio II, mecenas de Miguel Ángel) y Cleopatra donde componía un magnífico Julio César.

Fue nominado al Óscar en 1964 por Cleopatra y al año siguiente por My Fair Lady, premio que en esta ocasión ganó.

En 1969 rodó una atrevida tragicomedia de temática gay: La escalera, dirigida por Stanley Donen. Con Richard Burton, interpretó a una pareja de peluqueros homosexuales, envueltos en situaciones desagradables al ser acusados de escándalo a la moral. Esta película no pudo estrenarse en España hasta 1976 y tuvo limitada difusión, en parte entorpecida por la viuda de Burton; en 2011 ha sido recuperada 

Estuvo casado 6 veces, según la siguiente cronología:

• Colette Thomas -actriz francesa de teatro- (1934-1942), (un hijo, el actor/cantante Noel Harrison)
• Lilli Palmer -actriz- (1943-1957), (un hijo, el novelista/guionista Carey Harrison)
• Kay Kendall -actriz- (1957-1959)
• Rachel Roberts -actriz- (1962-1971)
• Elizabeth Harris (1971-1975), (tres hijastros: Damian Harris, Jared Harris y Jamie Harris)
• Mercia Tinker (1978-1990)

Honores y muerte

El 25 de julio de 1989, fue nombrado Caballero por la reina Isabel II de Inglaterra en el Palacio de Buckingham, mientras una orquesta interpretaba la música de las canciones de My Fair Lady.

Después de retirarse del mundo del cine en la década de los setenta, continuó su trabajo en Broadway hasta el final de su vida. En 1990, cuando actuaba en la obra El círculo de William Somerset Maugham, se le diagnosticó un cáncer de páncreas del que murió apenas tres semanas más tarde.

Rex Harrison tiene dos estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood: una en el 6906 de Hollywood Boulevard por su contribución al mundo del cine y otra en el 6380 Hollywood Boulevard por su contribución a la industria televisiva.

El escritor Seth MacFarlane ha declarado que el personaje de su serie Family Guy, Stewie Griffin está basado en la personalidad de Sir Rex Harrison.

Filmografía

• The Citadel (La ciudadela, 1938).
• Over the Moon (En la Luna, 1940).
• Blithe Spirit (Un espíritu burlón, 1945).
• Anna and the King of Siam (Anna y el rey de Siam, 1946).
• The Ghost and Mrs. Muir (El fantasma y la Señora Muir, 1947).
• The Foxes of Harrow (Débil es la carne, 1947).

El Talismán (1954)

• The Reluctant Debutante (Mamá nos complica la vida, 1958).
• Cleopatra (1963).
• The Yellow Rolls-Royce (El Rolls-Royce Amarillo, 1964).
• My Fair Lady (1964) -por la que obtuvo un Óscar-.
• The Agony and the Ecstasy (El tormento y el éxtasis, 1965).
• Doctor Dolittle (El extravagante doctor Dolittle, 1967).
• The honey pot (Mujeres en Venecia. 1967)
• Staircase (La escalera, 1969).
• El príncipe y el mendigo (1977).
• Ashanti (1978).
• The Love of Four Colonels (El amor de los cuatro coroneles).
• Un grito en la niebla1960

Teatro (parcial)

• The Admirable Crichton (1988)
• French Without Tears
• Sweet Aloes
• Design for Living
• Venus Observed
• The Cocktail Party
• Bell, Book and Candle
• The Fourposter
• Anne of the Thousand Days
• The Devil's Disciple
• The Love of Four Colonels
• My Fair Lady
• In Praise of Love
• Caesar and Cleopatra
• Heartbreak House
• Enrique IV (Pirandello)
• Aren't We All?
• The Kingfisher
• The Circle

LA DIVINA

Greta Garbo (Estocolmo, 18 de septiembre de 1905 — Nueva York, 15 de abril de 1990) es el seudónimo de Greta Lovisa Gustafsson, una actriz sueca nacionalizada estadounidense que vivió la mayor parte de su vida en Estados Unidos y adquirió reconocimiento internacional por participar en varias producciones cinematográficas de Hollywood, tanto mudas como sonoras, en los años 1920 y 1930. Se retiró de la actuación en 1941.

Si bien inició su carrera artística como modelo publicitaria, se consagró principalmente en el cine, donde empezó a actuar en 1920. Su primer papel protagonista lo obtuvo en la la película muda de 1924 Gösta Berlings saga, bajo la dirección de Mauritz Stiller. Al año siguiente fue contratada por los estudios Metro Goldwyn Mayer, razón por la cual a la brevedad se trasladó a Hollywood.

Asentada en Hollywood, filmó veinticuatro películas y se le atribuyó el apelativo de «la mujer que no ríe» por sus condiciones actorales para el drama. Entre las producciones mudas donde actuó destacan Torrent —su primer filme estadounidense—, Flesh and the Devil, Love, The Divine Woman y A Woman of Affairs. Publicitada con el eslogan de «¡Garbo habla!», en 1930 se estrenó su primera película sonora: Anna Christie, la cual le valió la primera de sus cuatro nominaciones a los premios Óscar como mejor actriz. Durante la década de 1930, fue dirigida por cineastas como Clarence Brown, George Fitzmaurice o Edmund Goulding, y actuó junto a algunos de los actores más importantes de aquellos tiempos como Robert Montgomery, Clark Gable, Melvyn Douglas y John Gilbert.

Su papel de Nina Ivanovna «Ninotchka» Yakushova en la comedia Ninotchka (1939), dirigido por Ernst Lubitsch, fue muy elogiado. Al momento de su muerte, contaba con cerca de treinta películas filmadas, dos cortometrajes y varias publicidades.

Un carácter peculiar

Nacida en Södermalm, barrio humilde de Estocolmo con el nombre de Greta Lovisa Gustafsson, se convirtió en el principal mito del Séptimo Arte. Su precoz retiro con apenas 36 años contribuyó a engrandecer la leyenda de La Garbo.

El American Film Institute la considera la quinta estrella femenina más importante de la historia del cine.

Fue conocida con los apodos de «La divina» y «La mujer que no ríe» debido al rictus serio de su rostro, sólo interrumpido en una escena de su memorable filme Ninotchka donde suelta sorpresivamente una carcajada. Esta excepción hizo correr ríos de tinta en los periódicos con el titular «La Garbo ríe».

Su vida siempre estuvo rodeada de misterio y de múltiples preguntas que jamás respondió. Se retiró a edad muy temprana y vivió el resto de su vida casi recluida.

Precisamente su enigmático comportamiento y su pertinaz soltería dieron pie a múltiples rumores en los medios acerca de su bisexualidad; entre esos rumores, el de ser amante de la actriz mexicana Dolores del Río y de la escritora hispano-estadounidense Mercedes de Acosta, con quien mantuvo 28 años de amistad y abundante correspondencia que quedó como un legado después de la muerte de Mercedes en 1968.

También fue sospechosa su distante relación con Marlene Dietrich; ambas fingieron que no se conocían hasta que las presentó Orson Welles en 1945, pero se ha desvelado que habían trabajado juntas en una película muda, siendo muy jóvenes ambas, y que tuvieron una breve relación. Según estos rumores, Greta se sintió maltratada y burlada por Marlene, y al hacerse famosas optaron por evitarse y negar todo contacto. Dietrich consideraba a La Garbo como una mujer estrecha de mente, de carácter provinciano y siempre se refería a ella en términos despectivos. Tantos rumores que sus amigos nunca confirmaron o desmintieron, a la larga sólo acrecentaron la leyenda de Greta Garbo, convirtiéndola en uno de los más grandes mitos del séptimo arte.

Aún hoy su rostro es considerado quizás el más perfecto que haya pasado por la gran pantalla. El semiólogo Roland Barthes lo considera «un arquetipo del rostro humano» y afirma:

El rostro de la Garbo representa ese momento inestable en que el cine extrae belleza existencial de una belleza esencial.

Ramón Novarro, su contraparte en el film sobre Mata Hari de 1931, opinó de su pareja fílmica:

[Garbo] Es todo lo que uno podría soñar. Además de hermosa, es seductora, llena de misterio, con una lejanía que sólo los hombres comprenden, porque esa es una cualidad que usualmente sólo se encuentra en los hombres.” - “Pienso que todos deberían casarse, todos excepto los artistas. No se puede servir a dos amos: matrimonio y arte… Greta Garbo es, ante todo, la artista y yo, espero, también lo soy. Ella ha prometido que no se casará nunca y sé que yo tampoco lo haré.

Ramón Novarro (1931)

Biografía

Greta Garbo inició su carrera como actriz en Suecia, en la época del cine mudo, donde participó en varias producciones como extra y en otras dos junto al director Mauritz Stiller, quien también sería contratado por Hollywood.

Primeros años

A la temprana edad de 14 años, el padre de Greta muere y ella se vio forzada a abandonar la escuela para trabajar, y de este modo ayudar a la familia en su desventajada condición económica (estando sólo su madre y dos hermanos); consiguió ella entonces un trabajo en un gran almacén conocido como Pub, en Estocolmo, y no tardó mucho en ser escogida, por su tipo, para las campañas publicitarias de los grandes almacenes. Tan pronto como apareció su foto en los periódicos, la escogieron para un cortometraje publicitario para la misma cadena Pub. Esto en definitiva, le hizo probar el sabor de lo fílmico, y pronto aparecería en otro cortometraje. Un director de comedias, Eric Petscher, le daría una pequeña oportunidad en su producción Luffar-Petter (Pedro el Tramposo) en el año 1922 y muy pronto la joven Greta, recibiría una beca para una escuela de drama en Estocolmo.

 De Suecia a Hollywood

En el año 1924, Garbo tendría la primera gran oportunidad, cuando el afamado director Mauritz Stiller le dio un papel en su filme La leyenda de Gosta Berling (Gosta Berlings Saga). El éxito de esta película benefició a ambos; Greta y Stiller fueron contratados con la gran M.G.M. (Metro Goldwyn Mayer) en California. Su primer filme fue El Torrente (The Torrent) y poco a poco Garbo se convirtió en una de las grandes estrellas del cine mudo con películas como Amor (Love) y La mujer ligera (A woman of Affairs) entre otros. Con el galán John Gilbert rodó tres películas casi consecutivas de gran éxito. Iniciaron un idilio y decidieron casarse, pero Garbo no se presentó a la boda y Gilbert terminó ese día peleándose con el productor Louis B. Mayer, que se había reído de ella. A pesar de estedesencuentro amoroso, Garbo y Gilbert siguieron trabajando juntos y cuando él ya vivía su declive como estrella, ella le recuperó para un papel en La reina Cristina de Suecia.

Del cine mudo al sonoro

El ascenso de Greta Garbo como estrella fue en los últimos años del cine mudo, pero la llegada del sonoro no la perjudicó como a Mary Pickford, Gloria Swanson y otras divas del momento. Aunque las novedosas películas con sonido delataban su fuerte acento sueco, Garbo retuvo y reforzó su estrellato, y ya con su primera película sonora (Anna Christie de Clarence Brown) fue nominada al premio Óscar.

Películas como Mata Hari, La reina Cristina de Suecia y Anna Karenina afianzaron la leyenda de «la Garbo». Se cuenta que al rodar Ninotchka, y por miedo al fracaso, quiso dejar la profesión, si bien ya anteriormente había ido reduciendo sus trabajos.

Fue nominada como mejor actriz por la Academia Americana de Cine en 1930, 1932, 1937 y 1939, pero nunca recibió un Óscar, olvido que años más tarde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas decidió enmendar con un Óscar honorífico en 1954 que rechazó, porque según sus propias palabras «no quería verle la cara a nadie».

Una gama de exitosas películas continuarían, pero serían filmes como Grand Hotel, La reina Cristina de Suecia, Ana Karenina y Camille las que siempre se asociarían a su imagen e incluso le valieron nuevas nominaciones al Óscar. En 1939 Garbo realiza su primera comedia, Ninotchka, la que no sólo fue un gran éxito comercial y de taquilla, sino que contribuyó a una nueva nominación al Óscar. M.G.M encontró una nueva forma de mercadear a una de las más grandes estrellas: como comediante. En 1941 Garbo volvió a la comedia ligera con el filme La mujer de dos caras (Two-Faced Woman), que sería su última aparición en el cine.

Greta Garbo fue asociada a la frase «Quiero estar sola», si bien ella precisó: «Quise decir que me dejen en paz, lo que es diferente». Su estilo de vida fue calificado de ermitaño y un tanto huraño, pues a diferencia de otras estrellas la Garbo se mantuvo alejada de los grandes eventos de Hollywood, prefiriendo la soledad y el anonimato.

Retiro prematuro

En la cúspide de la popularidad, Garbo dejó el mundo del cine a la temprana edad de 36 años y vivió el resto de su vida en un bien alhajado apartamento en Nueva York cerca de Central Park, totalmente retirada y evitando cualquier contacto con los medios informativos. No acudía a fiestas ni actos públicos; incluso cuando le ofrecieron un Óscar Honorífico, lo rechazó. Su última entrevista fue tan breve como sorprendente: el periodista empezó diciendo «Yo me pregunto...» y ella le interrumpió y se marchó diciendo «¿Por qué preguntarse?»

Tras sus años en Hollywood, Garbo se muda a la ciudad de Nueva York, y en el año 1951 se hace ciudadana estadounidense. Finalmente en 1954 recibió un Óscar por su gran trayectoria cinematográfica. En los siguientes 30 años de su vida mantendría contacto con grandes personalidades de la Jet Set y a pesar de no haber aparecido en ninguna película desde La mujer de dos caras en 1941, el interés del público hacia su persona nunca decayó; los paparazis la asediaban constantemente, y los rumores de su regreso al cine (algunos falsos, otros reales), nunca faltaron. Garbo más tarde comentaría: «Mi vida ha sido una travesía de escondites, puertas traseras, ascensores secretos, y todas las posibles maneras de pasar desapercibida para no ser molestada por nadie». La gran estrella de antaño pasó a convertirse en la reclusa más famosa del mundo.

Los periodistas la acosaron hasta el último momento e hicieron guardia ante su casa persiguiéndola para fotografiarla en su vejez, motivo por el cual se la veía siempre con gafas oscuras y sombreros que ocultaban su rostro. Tales precauciones no bastaron; fue fotografiada en varias ocasiones, incluso en el año de su muerte, y en 1976 la revista People publicó imágenes suyas nadando desnuda, captadas con teleobjetivo.

A pesar de su temprana retirada, contó con una importante fortuna gracias a sabias inversiones inmobiliarias en la lujosa zona de Rodeo Drive (Beverly Hills, Los Ángeles). Pero vivió con sencillez, comiendo frugalmente, y aunque se relacionó con famosos como Aristóteles Onassis y el fotógrafo Cecil Beaton, vestía de forma muy discreta y llevaba el pelo cano, sin teñir, para pasar desapercibida.

Fallecimiento

La salud de Garbo comenzó a declinar a mediados de la década de 1980 y el 15 de abril de 1990 muere víctima de un síndrome renal y de neumonía en la ciudad de Nueva York. Tenía 84 años. En junio de 1999 sus cenizas fueron enterradas en el cementerio Skogskyrkogarden en Estocolmo. Su fortuna, estimada en 20 millones de dólares, fue heredada por una sobrina suya, residente en Nueva Jersey.

Filmografía

• Mr. and Mrs. Stockholm Go Shopping (1920)
• The Gay Cavalier (1920) – Intervino como extra no acreditada.
• Our Daily Bread (1921)
• The Scarlet Angel (1921) – Como extra no acreditada.
• Peter the Tramp (1922)
• The Story of Gösta Berling (La leyenda de Gösta Berling) (1924). Director: Mauritz Stiller.
• The Joyless Street (Bajo la máscara del placer) de Georg Wilhelm Pabst (1925)
• The Torrent (Entre naranjos) (1926), basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez
• The Temptress (La tierra de todos) (1926). Su primer trabajo en EE.UU.
• Flesh and the Devil (El demonio y la carne) (1926), con John Gilbert.
• Love (1927), con John Gilbert. Adaptación libre de la novela Anna Karenina.
• The Divine Woman (La mujer divina) (1928). Sólo subsisten nueve minutos de película.
• The Mysterious Lady (La dama misteriosa) (1928)
• A Woman of Affairs (La mujer ligera) (1928), con John Gilbert.
• Wild Orchids (Orquídeas salvajes) (1929)
• The Single Standard (Tentación) (1929)
• The Kiss (El beso) (1929)
• Anna Christie (1930). Primera película Sonora de Garbo, y su primera nominación al Óscar.
• Romance (Romance) (1930). Segunda nominación al Óscar a la mejor actriz.
• Anna Christie (1931). Versión alemana de la película del año anterior.
• Inspirtation (1931)
• Susan Lenox (1931)
• Mata Hari (1931)
• Grand Hotel (1932)
• As You Desire Me (Como tú me deseas) (1932)
• La reina Cristina de Suecia (1933). Director: Rouben Mamoulian.
• The Painted Veil (El velo pintado) (1934)
• Ana Karenina (1935). Premio del Círculo de críticos de Nueva York a la mejor actriz.
• Camille (Margarita Gautier) (1936). Tercera nominación al Óscar a la mejor actriz.
• Conquest (María Walewska) (1937)
• Ninotchka (1939). Director: Ernst Lubitsch. Cuarta nominación al Óscar a la mejor actriz.
• Two-Faced Woman (La mujer de las dos caras) (1941). Director: George Cukor.

Premios y distinciones honoríficas

• Premio Oscar Honorífico por sus inolvidables interpretaciones (1954).
• Comandante de la Orden de la Estrella Polar (1983).

LA VERDADERA HEIDI. UNA ESCRITORA EN LOS ALPES

Johanna Spyri (Hirzel, 12 de junio de 1827 - Zúrich, 7 de julio de 1901) fue una escritora suiza. Su nombre de soltera era Johanna Louise Heusser. Es conocida mundialmente por su relato infantil Heidi.

"Desde la risueña y antigua ciudad de Maienfeld parte un sendero que, entre verdes campos y tupidos bosques, llega hasta el pie de los Alpes majestuosos, que dominan aquella parte del valle. Desde allí, el sendero empieza a subir hasta la cima de las montañas a través de prados de pastos y olorosas hierbas que abundan en tan elevadas tierras".

Con esta poética descripción, comienza la más famosa de las obras de esta autora, que ha hecho las delicias de todos los niños del mundo durante varias generaciones: Heidi.

Biografía

Johanna Spyri nació en Suiza como Johanna Louise Heusser, el 12 de junio de 1827, en la aldea de Hirzel, en las alturas, a unos 11 km de Zúrich.

Hirzel es un pequeño poblado emplazado en la verde falda de una colina. Para llegar hasta allí hay que atravesar extensos bosques de pinos; cuando estos terminan, el sendero está bordeado por árboles frutales. En la aldea hay flores por doquier, las casas son pequeñas y confortables, teniendo la mayoría de ellas una huerta y también jardín.

Johanna fue la cuarta hija del matrimonio formado por el Dr. Johann Heusser y de la poetisa Meta Sebweizer. Su casa blanca, que aún se conserva, está ubicada en las afueras de Hirzel, justo cuando el terreno comienza a ascender la montaña verde. Desde la ventana del piso superior, se obtiene una vista de los pinos y del Lago de Zúrich. Johanna fue una niña sensible, con enorme amor por la música, las aves y las flores de los campos alpinos y de los bosques cercanos a su hogar.

La escuela a la cual concurrió primero Johanna, y luego sus hermanos, había sido un granero en medio de un sembradío. Seguramente su primer maestro debió haber sido muy poco hábil para confundir su timidez con holgazanería, humillándola constantemente ante toda la clase. El resultado fue que la sacó de allí y la envió a la otra escuela de la aldea, que funcionaba en casa del pastor de la villa.

A los 14 años, Johanna fue a vivir a Zúrich a la casa de una tía, y allí asistió durante dos períodos lectivos a clases de idiomas extranjeros contemporáneos, al mismo tiempo que tomó lecciones de piano. Luego pasa un año en un internado de la ciudad de la Suiza francófona, Yverdon.

Su afición musical siempre fue evidente. Le gustaba mucho el piano, hasta que escuchó el sonido del arpa. Un día, cuando ella y su amiga Netti Fries caminaban por las calles de la ciudad, vieron un arpa en el escaparate de una tienda musical. Decidieron comprarla pero no tenían el dinero suficiente. Sacrificaron entonces sus ahorros, juntaron el dinero de ambas e hicieron la compra. Como no se decidían en cual de las casas quedaría guardada el arpa, llegaron a un acuerdo: la intercambiarían cada dos semanas. Así fue que Johanna cumplió uno de sus más grandes sueños: aprender ese difícil pero bello instrumento de cuerdas.

Durante siete años, entre 1845 y 1852, Johanna se transforma en maestra de sus hermanas menores, aprovechando el tiempo libre para hacer lecturas que fueron enriqueciendo su capital intelectual y espiritual. En las épocas de vacaciones, su afinidad con la naturaleza la llevaba hacia la región de Chur, escenario que luego sería trasladado como la principal escenografía de la acción de Heidi.

En 1852, su vida cambia radicalmente. Su hermano Theodor, estudiante de medicina, tenía un amigo estudiante de derecho, Bernard Spyri, quien desarrollaba también las tareas de editor del diario Confederated Newspaper. En una oportunidad, cuando Bernard visita a Theodor, conoce a Johanna, se enamora de ella y terminan casándose, radicándose definitivamente en Zúrich.

Para ocupar el tiempo que le quedaba libre y para no sentirse tan sola, sobre todo porque sentía mucha nostalgia de sus lugares, comienza a participar, junto con dos amigas, en un grupo artístico y literario. No obstante estas distracciones, su espíritu va decayendo hasta sumirse en una honda depresión y un sentimiento de soledad superlativo que la hicieron sentirse realmente enferma. Esta vivencia sería trasladada luego a la historia de Heidi, cuando la niña debe dejar Suiza para vivir en Fráncfort, lejos del aire puro y del sonido del viento entre las hojas de los pinos. Sólo pudo superar esta dolencia cuando nació su hijo, Bernhard, en 1855.

A partir de 1868, el Sr. Spyri es nombrado contador de la ciudad. Debido a las nuevas obligaciones y a tener que frecuentar otros círculos sociales, el matrimonio se muda a una casa en el centro de Zúrich, cercana al lago. Su hijo, a la vez, avanza en sus estudios musicales y llega a ser un buen violinista, ejecutando dúos con su madre al piano. Es durante esta época que Johanna comienza a escribir con intensidad, con el objeto de recaudar fondos para la Cruz Roja Internacional y su primer libro Una hoja en la tumba de Vrony, ve la luz en 1871, firmada sólo con las iniciales J.S. En 1870, cuando Johanna tenía 43 años, mientras Europa soportaba la Guerra Franco-Prusiana, con la intención de hacerle pasar momentos gratos a su hijo, su pluma abordó con pasión los propios recuerdos infantiles, que fueron plasmándose con maestría infinita en la vida de la niña huérfana que va a vivir a las montañas con su abuelo, el Viejo de los Alpes. Había nacido Heidi, que sería publicado diez años más tarde, en 1880, ya con el nombre de su autora, de ahí en más: Johanna Spyri.

Entre 1872 y 1873, continúa produciendo obras narrativas, enlazadas por un tema en común: las felices vivencias del pasado, de la infancia y adolescencia, ensambladas en el proceso del cambio interior que el presente ocasionaba.

A partir de 1879 comienza el período más productivo en la narrativa de Johanna, escribiendo veinte libros en cinco años, período que corresponde a la publicación de Heidi.

1884 es un año que la marcaría para siempre, pues fallecen primero su hijo, aquejado de una larga enfermedad, y luego su esposo y compañero, quedando sola en la vida. Decide mudarse de casa, consigue una vivienda más céntrica, y una sobrinita va a vivir con ella para que no se sintiera completamente sola. A partir de entonces Johanna hace muchas obras de caridad y escribe para deleitar a su sobrina, tal como había hecho con su hijo tres lustros atrás.

Viuda a los cincuenta y tres años, Johanna Spyri vivió serenamente en Zúrich, escribiendo muchos cuentos sobre los niños que viven en las montañas, con sus costumbres y sus juguetes que ellos mismos fabricaban, y su continuo diálogo con los animales y los paisajes del entorno. Así, en los últimos años de su vida, entre 1886 y 1901, escribe cuarenta y ocho cuentos, tomando vacaciones durante los primeros meses del nuevo siglo pues su agotamiento era muy grande. Se traslada entonces a distintos puntos de los Alpes suizos, llega también al norte de Italia, e incursiona por el Lago de Ginebra.

Esos relatos comenzaron a adquirir fama en el mundo exterior, Johanna comenzó a hacerse muy conocida y el requerimiento de los críticos, editores y gente de letras era permanente, por lo cual la autora de Heidi evadió cada vez más el contacto con el público. Deseaba sinceramente evitarlo, porque prefería "no exponer los aspectos más íntimos y profundos de su alma ante los ojos humanos”.

Falleció en Zúrich, el 7 de julio de 1901.

Suiza siente verdadero orgullo de Johanna Spyri y su obra, y las ha homenajeado en múltiples oportunidades en sellos postales y moneda. Evidentemente, Heidi resultó a todas luces más famosa que su creadora ya que es, sin lugar a dudas, uno de los personajes más conocidos de la literatura suiza en general y de laliteratura infantil en particular. No sólo es una figura literaria, un personaje de ficción, sino que es la encarnación alegórica de la sociedad suiza pues representa la naturaleza intacta de los Alpes con sus praderas, montañas y paisajes idílicos.

Además de la serie de "Heidi", otros libros de la autora son: Grittli, Jörli, La pequeña salvaje, El lago de los ensueños, Luisita, Sin patria, Sina y Perdido y encontrado.

DE DÓNDE VIENE LA TRADICIÓN DE LA MONA?

La mona de Pascua es un alimento típico de la repostería española. Se prepara tradicionalmente en las regionesmurciana, valenciana, catalana, aragonesa y castellano-manchega. Un alimento similar, denominado roscón o "rosco" de Pascua y que se sirve en tales fechas es típico en Galicia.En Asturias también, y se denomina peragata o "bolla". Hoy día puede encontrarse con ligeras variaciones en todo el país. Es una torta de la Pascua cuya degustación simboliza que la Cuaresma y sus abstinencias se han acabado.

Origen

El nombre proviene de la munna, término árabe que significa «provisión de la boca», regalo que los musulmanes hacían a sus señores. La mona es un postre de gran tradición en todo el Mediterráneo. Este dulce posee fama en Murcia y está asociado a las fiestas de Semana Santa, aunque se puede encontrar durante todo el año en las diferentes confiterías de la capital murciana. El pueblo que también fabrica este producto alimenticio es Alberique, en la provincia de Valencia, aunque también puede encontrarse por los pueblos cercanos donde se consume durante todo el año. Sin embargo en la mayor parte de la Comunidad Valenciana su consumo está más restringido a la Pascua. En la islas Baleares y en Cataluña se come solamente el día de Pascua.

Variedades

En la Comunidad Valenciana existen diversas variedades, siendo la que se consume durante todo el año conocida como panquemado o toña. La que se consume durante las fiestas de Pascua es un pastelito elaborado con la misma masa que el panquemado que lleva uno o varios huevos (dependiendo del tamaño) con la cáscara pintada (huevos de Pascua). Estos huevos son introducidos como elemento decorativo aunque también ayudan a dar forma al dulce. Las formas son muy diversas aunque suelen ser la de algún animal como una serpiente, lagartija o mono. Finalmente, está recubierta por anisetes de colores.

En Cataluña y Baleares la mona ha ido evolucionando a lo largo del tiempo, y hoy en día conviven diferentes tipos de monas tradicionales. La más antigua es como la tradicional valenciana, que en algunos casos puede tener forma de corona o en otros de punto. Otra mona tradicional mantiene los huevos cocidos, que suelen pintarse de colores, pero la base se hace de bizcocho y se rellena de crema y de chocolate o mermelada, se cubre de crema catalana quemada en la superficie horizontal y de almendras en los lados. Con el tiempo se van adornando cada vez más de plumas de colores, de pollitos y de grageas de chocolate cubiertas de glasa de colores. En Menorca suelen estar, además, cubiertas de merengue. Poco a poco, los huevos de gallina se han ido sustituyendo -aunque aún son muy populares también- por huevos de chocolate. Más adelante, los adornos de chocolate toman cada vez más importancia y, actualmente, algunas monas hechas por maestros pasteleros son esculturas, que pueden alcanzar grandes dimensiones, hechas únicamente con chocolate negro.

En Orán se elabora un bollo similar denominado "la mouna".

Costumbres

Tradicionalmente el padrino regala la mona a su ahijado el Domingo de Pascua después de misa. El Lunes de Pascua es tradición que se reúnan dos o tres familias o un grupo de amigos y que vayan a comer la mona juntos a algún lugar, en un festín en el que no faltan las chuletas de cordero, conejo a la brasa, la paella y, sobre todo, el vino. En muchas poblaciones las pastelerías compiten para exhibir en su escaparate la escultura de chocolate más espectacular, que puede ser una maqueta de un edificio una figura de un personaje popular o un conjunto de tartas con figuras de chocolate o guirlache. Este alimento propio del lunes de Pascua, la mona, y la costumbre de hacer una salida al campo para comerlo en familia ha acabado dando nombre al día, que para muchos es "el día de la mona".La mona se suele consumir durante la merienda de los días de pascua acompañada de longaniza de Pascua siendo costumbre cascar el huevo en la frente de otra persona. También es posible acompañarla de chocolate. Es tradición ir de excursión al campo a pasar la tarde comiendo la mona y jugar con alguna cometa.